Plongez dans le monde vibrant de Florence Solis alors qu'elle partage l'inspiration, le processus et les messages puissants derrière son art. Dans cette interview, elle aborde tout, de l'évocation d'un sentiment de malaise esthétique à la reconnexion avec son héritage philippin et le rôle vital que l'art joue dans la préservation culturelle.

Quel message principal ou quelle émotion espérez-vous que les spectateurs retiennent de votre œuvre d'art ?

Honnêtement, j'aime les œuvres qui me donnent un sentiment de malaise, mais que je trouve quand même belles. Je pense que ce malaise éveille la curiosité et, éventuellement (espérons-le), une introspection plus profonde sur le contexte de l'œuvre.

J'aime aussi l'élément de surprise lorsque je regarde une œuvre. Quelque chose d'inattendu et l'attention portée aux moindres détails. Même si je ne connais pas l'artiste ou ses origines, ces éléments contribuent à ouvrir une discussion basée sur l'œuvre.

C'est ce que j'espère que les spectateurs ressentiront ou retiendront de mon travail.

Pourriez-vous décrire votre processus créatif, de l'idée initiale à la toile finie ? Y a-t-il des rituels ou des étapes clés spécifiques que vous suivez ?

Toutes mes pièces actuelles commencent par un croquis miniature. Chaque fois qu'une idée ou une image me vient à l'esprit, je dois la dessiner rapidement avant de l'oublier. Une fois que je commence une nouvelle pièce, une série ou que je me prépare pour une exposition, je parcours ces croquis miniatures et j'essaie d'en déchiffrer le sens. J'ai tendance à me demander pourquoi j'ai pensé à ces images et comment cela reflète ma vie ou ma situation actuelle. À partir de là, je choisis celles qui, à mon avis, me reflètent le mieux en tant que personne aujourd'hui. Par exemple, la série Makahiya et les figures voilées de mon travail actuel en disent long sur mon expérience de la maternité et de la féminité en tant que jeune maman. Je trouve que cette étape est la plus difficile du processus.

Les croquis miniatures deviennent ensuite des croquis plus précis au crayon ou numériques, puis des peintures sur toile finales ou des œuvres en techniques mixtes. J'apprécie cette partie le plus parce que le concept et l'idée ont généralement été résolus et l'acte physique de peindre est la partie la plus apaisante pour moi.

Vous avez exposé dans plusieurs pays (Canada, États-Unis, Chine). Y a-t-il une différence dans la façon dont votre travail est reçu ou dans les discussions que vous avez eues avec les publics dans ces différents contextes culturels ?

En raison du climat politique et culturel actuel aux États-Unis, il y a eu une augmentation notable du soutien et de l'intérêt pour le travail des personnes de couleur. Il y a un effort continu et intentionnel pour amplifier les voix et les expériences des groupes minoritaires. Ma première exposition à Chicago—Expo Chicago 2025—a été un exemple frappant de ce changement. On m'a dit que, surtout dans le contexte actuel du « blanchiment » culturel, il est plus important que jamais de mettre en lumière le travail des femmes et des artistes de couleur.

Mon expérience au Canada en tant qu'artiste m'a permis de me connecter avec de nombreux autres artistes philippino-canadiens. Il y a un fort sentiment de camaraderie et de soutien qui m'a encouragée à continuer d'explorer mon héritage philippin dans mon travail.

Vous avez immigré au Canada en 2001 depuis les Philippines et vous mentionnez utiliser votre art pour vous reconnecter avec votre héritage. Comment intégrez-vous cela dans votre travail ?

Honnêtement, grandir en tant qu'immigrée philippine au Canada s'est accompagné de beaucoup de honte – quelque chose que je reconnais maintenant comme intériorisé et enraciné dans une mentalité coloniale. En tant que mère et artiste, j'en suis venue à comprendre à quel point il est vital d'accepter qui je suis et de célébrer mon héritage.
J'intègre cela dans mon travail en puisant dans le folklore philippin, les souvenirs personnels et l'histoire coloniale. Je fais souvent référence à des figures des histoires avec lesquelles j'ai grandi – comme la « dame blanche », une figure fantomatique voilée commune dans les contes d'horreur philippins. Dans ma pièce Sirena, par exemple, je représente une sirène dont le visage est couvert d'un voile, rappelant les vêtements transmis de l'époque coloniale espagnole, et ornée de bijoux ressemblant à un rosaire. Ces symboles reflètent les couches de dissimulation et de contrôle imposées par la religion et l'influence coloniale.
À travers ces éléments visuels, je pose des questions sur l'identité, la peur et la mémoire culturelle. Pourquoi ces figures étaient-elles présentes dans nos histoires d'enfance ? Pourquoi sont-elles souvent représentées comme quelque chose à craindre ? En explorant ces récits dans mon travail, je ne me reconnecte pas seulement à mon héritage, mais je le revendique et le recadre aussi de ma perspective en tant que membre de la diaspora.

Selon vous, quel rôle l'art joue-t-il dans la préservation et la transmission de la mémoire culturelle, en particulier pour les communautés diasporiques ?

L'art joue un rôle vital dans la préservation de la culture, en particulier au sein des communautés diasporiques. Chaque génération porte ses propres histoires et expériences, et naturellement, chacune trouvera des façons uniques de les exprimer. C'est pourquoi l'art doit rester constant et visible à travers les générations—c'est un outil puissant pour la continuité culturelle.

Nos histoires sont mieux racontées par nos propres voix. Au sein de la communauté philippine, il y a souvent un sentiment de regret partagé—en particulier parmi les enfants d'immigrants—quant au fait de ne pas apprendre ou de finir par oublier leur langue maternelle. À bien des égards, l'art devient une voix pour ceux qui aspirent à se reconnecter, même de petites manières, à leurs racines. Il permet la préservation, la réflexion et la possibilité de récupérer ce qui pourrait sembler perdu.

Y a-t-il des artistes spécifiques, locaux ou internationaux, qui vous ont particulièrement inspirée ou influencée ?

Marigold Santos m'a inspirée à rendre mon héritage philippin visible dans mon travail, même lorsque je pensais que je n'en avais pas besoin. Je ne savais pas que c'était quelque chose qui me manquait et cela a tellement influencé mon propre parcours en tant qu'individu et artiste.

Si vous pouviez donner un conseil à un jeune artiste autodidacte qui débute son parcours, quel serait-il ?

Je me concentrerais sur votre message et sur la façon dont vos expériences pourraient se connecter avec les spectateurs. Je crois que vous pouvez toujours apprendre à perfectionner vos compétences et techniques, mais le message fera toujours avancer le travail, surtout dans un monde d'avancées technologiques dans la production artistique.

Avez-vous une exposition à venir où nous pourrons voir vos œuvres ?

Oui, je participe à quelques expositions collectives en cours : le pop-up The Mission Projects à la galerie Mcclain à Houston, TX, Celestial II à Arch Enemy Arts à Philadelphie (octobre) et Aqua Art Miami avec Arch Enemy Arts (novembre) encore une fois.


Ma prochaine exposition solo aura lieu l'année prochaine (mai 2026) avec The Mission Projects à Chicago, IL.

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